Rolero Frustrado - El problema de La Autoridad

Bien, primero disculpas por tardar en pasarme por el blog; pero el calor y otras cosas me han quitado inspiración para escribir. Además estoy dudando entre ideas, no quiero volver a Ars Magica aun y tampoco quiero seguir con Mundo de Tinieblas todavía. Así que esta entrada es una prueba de otro tipo de contenido rolero, que incluso continuaré en redes sociales este fin de semana.

Entrando ya en materia ¿a qué me refiero con el problema de la Autoridad? ¿Qué tipo de autoridad? Pues estoy hablando, no de posiciones en la mesa (per se), pero de un recurso narrativo que es fácil convertir en el único que un GM/Narrador/DM use para mover la historia: el PNJ importante (y normalmente muy poderoso) que ordena a los PJs lo que deben de hacer. Todos lo hemos visto en infinidad de juegos y partidas ¿verdad?. En Vampiro, suele ser el Príncipe u otro vampiro anciano, que dice y ordena; en D&D y demás fantasía puede ser un gran mago, un sacerdote supremo o un rey, en aquellos basados en propiedades más allá del rol puede ser un Skywalker, un personaje histórico o hasta Ace de Evil Dead. Y puede estar bien, pero insisto que no deberá ser tu forma por defecto de narrar; ni siquiera es la más simple... de verdad.

Primero os cuento que esto lo digo porque algunas muy malas experiencias, y algunos errores de mis primeros días dirigiendo. En una ocasión, además de jugar una partida de malos (yo era un mercenario neutral) tuve la horrible experiencia de quien mastereaba vino a bien tener una conversación entre dos PNJs delante nuestra, entre el malvado rey y su visir rastrero... lo que fue incómodo y cargante. En otro caso, un anciano vampiro (que ni siquiera era de mi clan) quiso que para mantenerle informado fuésemos a visitarle por separado cada cierto tiempo, y se tomó a mal que simplemente le escribiera (cuando era una partida de Edad Oscura, existiendo en el medievo y edad antigua el género/concepto de la epístola, con correspondencia entre 2 personas creando debates o solamente cartas de una persona siendo composiciones famosas y documentos históricos); y evidentemente como es super poderoso y nos deslumbró teniendo una pelea de anime antes... pues lo "lógico" era obedecer. Otra vez, yo respondí mal (y fue antes de esto), pero tenía que ir a la reunión con personas que no conocía; cuando había ido a aquella escuela de magia a consultar la biblioteca. ¿Veis por dónde voy?.

La razón por la que me opongo a esto, insisto, no es que no se deba hacer; pero creo sinceramente que se debe hacer con cuidado. Un motivo es mi forma de rolear cuando dirijo, que prefiero ser conciso (por ejemplo, "os agradece el servicio, un sirviente os da vuestros honorarios y os dejan marchar") y no robar el protagonismo de los personajes del resto de jugadores, quienes son los auténticos protagonistas. Un buen máster, en general; ya tiene un peso fundamental creando la historia y usando las reglas (a veces adaptándolas más o menos), como para hablar e interpretar más que los jugadores que no dirijan. Otro motivo, pero también relacionado con todo esto, es que con un individuo que da órdenes porque son la aventura, suprimes la agenda y la libertad de los personajes; y eso siempre puede llegar a ser frustrante.

Luego os cuento alternativas, pero además de mesura, creo que es importante asegurar que un personaje que uses para transmitir la línea o idea de partida, o sea que diga a los personajes jugadores lo que hacer; sea siempre alguien importante, pero no para ti o para la historia; debe ser importante para al menos un personaje jugador si no para todos (un mentor, un aliado, un familiar o incluso un enemigo), y que por lo tanto haya motivos para escuchar y confiar en lo que dice (incluso un enemigo puede decir la verdad, y más que obedecer, al enfrentarte a él; al contar su malvado plan, sirve igual que si alguien os ordena detenerle y como podéis hacerlo). Otra opción, que yo uso aun más; es algo opuesto: quien dice lo que hacer a los personajes de mis jugadores es un personaje similar a ellos, alguien que puede traicionarles para dar lugar a otra aventura; o puede no volver a ser visto, o puede hacerse un aliado... pero siempre desde una posición de igualdad.

Pero ¿y si quieres evitar todo esto? Pues no necesitas más trabajo, pero sí escuchar y comunicarte con tus jugadores. Puede que la aventura, objetivo o misión; sea personal, y las pistas para conseguirlo sea ya algo que uno o varios ya sabe como hacer, o aprender mediante ensayo y error. Puede que en lugar de un alto rey, estén buscando un criminal del que han oído hablar o visto un cartel de recompensa por atraparle. Puede que en vez de escuchar a una persona, reúnan información atendiendo rumores, preguntando testigos y demás. Volviendo a los enemigos, un vanidoso villano puede literalmente retar a los personajes de jugadores a ver si pueden superarle o derrotarle (yo he hecho esto). Tampoco dependes de PNJs, cosas como diarios, mapas, tomos o cualquier medio de transmisión puede dar pie a una aventura, y si los personajes son sus dueños o lo encontraron porque decidieron buscar donde su personaje buscaría, todo queda como un desarrollo mucho más personal y natural. Y hablando de natural, no necesitas a nadie que cuente nada si algo como un imprevisto (una bestia ataca, un incendio, un meteorito) pone en peligro a los personajes jugadores, y para su supervivencia siempre deben reaccionar, con presteza además.

Pero eso, esto es una sugerencia que nace de mis fobias y mis filias, pero de estas experiencias (buenas y malas), espero que os enriquezca a la hora de jugar vosotros. Pronto más de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario.

Comentario: Vampiro la Mascarada 5ª Edición

 

Pues algo tarde ya he podido leer todas las reglas del básico de Vampiro la Mascarada 5ª edición. Cómo he estado metido en toda esta línea, y al menos he leído y visto las ediciones desde que empecé a jugar; le tenía ganas, y estuve atento a su creación; pero hasta que me prestaron el libro, no quise formarme una opinión definitiva. Y una vez leído (salvo apéndices que merecen la pena fuera del propio juego); quiero compartir mis impresiones de este libro y un par de temas adicionales.

Primero de todo, V5 es sobre todo una evolución y un desarrollo de todo lo anterior; incluido Vampiro el Réquiem (que no es Mundo de Tinieblas, es Crónicas de las Tinieblas); por lo que aunque se puede reconocer mucho el rastro de sus predecesores, ha querido ir a lugares que ya habían planteado antes, pero también es un reinicio y simplificación. ¿Por qué digo esto? Pues porque buscan reconciliar el juego en mesa (con sus dados y fichas); con el juego en vivo (con sus disfraces y locales). El peso del LARP (Live Action Role Play), especialmente de estilo nórdico, en V5 es palpable, explícitamente indicando que la interpretación y narración sean la principal herramienta, con las mecánicas basadas en tiradas más como una opción cubierta, pero no la única opción; e incluso la más predilecta sería una fusión de ambos, y unas guías para que una escena de conflicto sea únicamente 3 tiradas que tengan consecuencias para dar paso a una conclusión. Esta filosofía me parece interesante.

Hablando más en concretos de esas mecánicas básicas, hay algunas muy importantes. Primero se toma prestada la idea de Atributos que son no solamente de tipos (Físicos, Sociales y Mentales), también de usos (precisión, magnitud y defensa) con lo que han usado los recursos de Crónicas de las Tinieblas (Réquiem vaya). Han eliminado las Virtudes, pero han hecho que Humanidad sea LA virtud, y Fuerza de Voluntad bebe de los Atributos y eso mismo en la Salud. Pero el cambio más único de Vampiro es que la Reserva de Sangre se convierte en los Dados de Ansia y las pruebas de Enardecimiento, una manera más sencilla de representar lo mismo; y que me interesa probar. Luego han simplificado también el daño (como en Réquiem), pero han incluido el daño social/mental; en este caso se aplica a la Fuerza de Voluntad y no en la Salud (y el daño puede ser Superficial y Agravado en ambos casos).

También hay cambios en otros aspectos, especialmente en la ambientación; pero antes de la Metatrama y la sociedad vampíricas, está ese punto en el que hay también mecánicas: Los Clanes con sus Debilidades y sus Disciplinas. Algunos clanes no han cambiado nada (Brujahs), poco por los cambios en reglas (Nosferatus) o ambientación (Tremere, que luego me explayo); y los que han cambiado mucho (los Ravnos del Companion). Las debilidades típicas se han dividido en unas que son constantes, y otras que se activan durante las crisis mentales, que son siempre problemas más mentales y emocionales; la verdad es que está bien eso. Luego están los cambios en las Disciplinas que se resumen en lo siguiente: Nada de Disciplinas exclusivas de Clan y los niveles no son un único poder. Protean ha absorbido así a Vicistud y Serpentis, Extinción se ha unido a Taumaturgia en Magia de Sangre, y la Nigromancia con Obtenebración se han transformado en Oblivion (no conozco la traducción de esta). Las demás disciplinas son poderes alternativos con requisitos de alguna otra (Dementación es Dominación con Ofuscación, Quimerismo es Ofuscación y Presencia, y así). Esta parte no me molesta demasiado, de hecho me gusta mucho. Dejo claro una cosa: ningún Clan ha perdido sus poderes estrella, simplemente los han re-adaptado para hacer menos exclusivo todo.

Por la parte de la trama, ambientación y sacrosanta Metatrama, esta 5ª edición tiene que lidiar con la cuestión de hacer canon la Gehenna, pero sin terminar el Mundo de Tinieblas, ¿un oximoron imposible? En realidad sí, pero la verdad es que creo que se han acercado mucho a este objetivo la verdad. La premisa es que la Gehenna no es un fin del mundo total, si no más bien un proceso, que ha empezado y ha afectado a la sociedad vampírica en su conjunto; y algunas consecuencias han provocado también cambios entre los mortales que han hecho mella en los vampiros también. Los Antiguos han sido convocados a Oriente Medio, donde hay una contienda nunca vista antes, y la Camarilla a costa de esto se ha convertido en una tiranía aun más opresiva, sea por los Ancillae más ambiciosos o los Antiguos más reaccionarios, al tiempo que la Inquisición ha ganado medios nuevos y una eficacia letales, llegando a descabezar al Clan Tremere. Nadie se ha dado cuenta, pero el Clan de la Muerte ha vuelto a cambiar, ya no es una facción criminal y ya. Los devotos de Set, la mitad de los Brujah y la mayoría de los Gangrel se han unido a las filas Anarquistas como respuesta a todo esto (y los primeros ahora son el Ministerio). El Sabbat se ha unido a la refriega, pero se ha reducido y vuelto aun más clandestino; ahora la guerra de Sectas es entre la Camarilla y los Anarquistas; mientras los Banu Haquim están inmersos en una Guerra civil entre las sombras, y algunos de ellos están ya como parte de la Camarilla como forma de protegerse, al fin es más necesario coger bando. Y la Camarilla prefiere mil veces impedir moverse y usar tecnología gobernada por los vivos, so pena de Muerte Definitiva.

Todo lo anterior también entronca con lo que decía de "simplificar", ya que ahora la premisa de jugar con un vampiro poderoso o tenerlos a cada paso es más raro y nunca un hecho; los Antiguos son ahora más enigmáticos de lo que han sido en años con su ausencia. Y no, ahora hacerse un personaje con Generación como Trasfondo no es una opción viable, ahora la antigüedad es algo a acordar en creación, pero nunca una opción de poder tan accesible. El hacer el conflicto entre lo actual y la tradición más fuerte es algo que tampoco viene mal. Destruir o debilitar a los Tremere es algo que entiendo como golpe de efecto, pero entiendo que haya quienes se sientan disgustados.

Luego con las polémicas, pues además de algunas por los cambios; otra parte venía por las elecciones de palabras en ciertas descripciones; que hablaban de forma muy casual del fascismo y obligó a añadir una aclaración al final sobre eso. He de decir que Vampiro siempre ha apelado a dejarse llevar por la maldad, de ahí lo popular de jugar con el Sabbat y usar poderes siniestros; y yo mismo he tenido jugadores (narradores o jugadores sin más) que han hecho personajes fascistas (nunca más dejo que un narrador me dé personajes prehechos fuera de sesiones únicas o jornadas); así que es menos un problema concreto de esta edición y más algo que ya estaba ahí, que ahora es más fácil de analizar y actuar en consecuencia; pero vamos permitir dogwhistle y demás reivindicaciones en la mesa no es de buen gusto ni algo que me caiga bien. Otra cuestión que también me rechina es parte de la elección de estilos en el arte, la parte de las fotos no me molesta (LARP, como no), si no que dar independencia a una experta en moda a la hora de exponer estilos de Clan me parece un error cuando hace más bocetos de modelos que personajes, ya que antes había vampiros de distintas complexiones (los conceptos de personaje que comparto están sacados de aquellas páginas con variedades de apariencias); y que hoy en día la diversidad también se aplica a si un personaje va en silla de ruedas o si es obeso; así que esa parte, aunque original, queda coja.

En líneas generales, me apetece probar a jugar, tanto como jugador antes y luego como narrador; y tengo ideas de crear contenido para 5ª... pero también me gustaría jugar algo a Réquiem y seguir creando contenido y montar partidas de 4ª/20 aniversario. Y mientras esta Mascarada aprueba para mí con peros, no me ha quitado mis miedos para Hombre Lobo y Mago en sus próximas ediciones... Y hasta aquí de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario.

A vueltas de nuevo - Arte vs Cultura

De vez en cuando vuelvo a pensar en lo que leí a José Ortega y Gasset en el tema del arte antiguo VS el arte nuevo (que ahora también es antiguo claro, "La Deshumanización en el Arte"). En resumen, Ortega y Gasset hablaba de como el arte nuevo se hacía para una minoría distinta (no peor, ni mejor) y no para la mayoría. Una minoría de entendidos, que en lugar de dejarse llevar por su sensibilidad emocional o criterios mundanos, tiene una sensibilidad que apela a la razón y a unos conocimientos concretos... las vanguardias del arte para artistas que participan de ese momento y ambiente vaya. Y mientras el arte y cultura popular se preocupa de la tradición y de las emociones que transmite a su público mayoritario.

¿Suena muy familiar a las peroratas de Internet? Todo el debate sobre "simps", "gatekeeping" o "Muggles" tiene cierto tufillo a lo mismo que argumentaba Ortega y Gasset. Pero mi problema con esos discursos (además de lo chungo que tienen) es que olvidan parte de lo relativo que es todo. Centrándome en lo que argumentaba el filósofo del siglo pasado, centrarse en lo que hacían unos artistas muy concretos en sus circunstancias, frente al resto de contemporáneos y predecesores me parece egocéntrico y cortoplacista. Os voy a dar un par de ejemplos locos a continuación:

• En su definición de arte nuevo, creo que cabría considerar a Bertolt Brech, además de por sus tiempos; también  por su estilo y objetivos. Aunque él no quería hablar solamente a un círculo reducido, su teatro buscaba llamar a conciencias y a la inteligencia de su público; y los predispuestos a estos no eran una totalidad absoluta. Y sin embargo, imaginemos que hoy en día alguien hace una obra de Brech adaptada en español, pero acude a una función alguien que no entiende el idioma (sí, lo sé, el turismo no está en su mejor momento, pero es un escenario teórico, usad la imaginación). Sin una idea previa de lo que está viendo, y sin entender el idioma; puede que la obra se le escape (y pronto él), pero aunque la actuación de este autor no sea para nada melodramática, las herramientas de interpretación exigen entonar y expresar físicamente a unos mínimos. Ese espectador que no entienda el idioma, aun con eso, puede emocionarse por la labor interpretativa. Para él la obra habrá a apelado a sus emociones.
• Ahora pensemos en una obra tradicional, una de las comedias de Lope de Vega, la definición arte tradicional de Ortega y Gasset. Mucha vanguardia reclamó obras muy anteriores, y el teatro clásico es un pilar del conjunto dramatúrgico. Y quienes van a verlo, además de estudiantes algo obligados, también son académicos. Y las obras en su día apelaban a los sentimientos y conocimientos comunes del público. Mientras tanto hoy en día esos conocimientos son de expertos, y todo lo que acompaña al teatro clásico ahora es un discurso que requiere de un mínimo de conocimiento común. La obra tradicional apela así la razón y el conocimiento de una minoría. ¿Se vuelve Lope un vanguardista?.

Como veis en los dos ejemplos, lo que ocurre es que en la cultura (y para mí los maestros de las disciplinas creativas solamente lo son si crean cultura); el público es básico. Hablando específicamente del teatro, literatura y audiovisual (donde se utiliza la palabra como medio de expresión principal; aunque es aplicable a la música, y al arte plástico claro), siempre se establece un acto de comunicación entre autor/grupo de intérpretes y medios con un público. En el arte, para mí, este público puede ser bastante reducido;  y en la cultura es más grande el conjunto de receptores. Y en ese acto el autor y su intención pueden perderse, porque siempre hay unas diferencias debido a las circunstancias de ambas partes. La sensibilidad siempre está ahí además, sea la parte más intelectual o identitaria (como reconocer referencias o citas), o emocional (porque nos hace gracia, nos asuste o nos reconozcamos en los personajes y su historia). Yo no tengo demasiada interés en debates que busquen elevar algo a "auténtico y no de segunda", o a relegar cosas que no cumplen un criterio supuestamente intelectual. Toda cultura merece respeto, todo arte tiene un valor intrínseco. Tus preferencias no tienen que convertirse en algo presuntamente imparcial, no pasa nada.

Y pronto alguna entrada más de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario, me apetecía hacer esta pequeña reflexión.

Comentario - Godzilla: El Rey de los Monstruos (2019)

Pues eso: Larga vida al Rey

Bueno, pues al fin pude ver la tercera entrega de esta saga (la primera y la segunda), que por suerte no será la última. Nos queda otro aspirante al trono por entrar en liza. En breve, quiero seguir viendo esta saga de películas de kaijus/bestias monstruosas, los titanes molan.

¿Recordáis la primera? La sensación de pequeñez frente a criaturas inconmensurable, el esfuerzo fútil pero decidido a no dejar que la existencia y acciones de los kaiju acabase con la humanidad. ¿Recordáis La Isla Calavera? ¿Cómo las etiquetas de amigos y enemigos eran artificiales en el mejor de los casos? ¿Cómo la guerra se volvía inevitable si buscas pelea desde el principio? Pues básicamente esas ideas están aquí (y también se insiste en las cosas de las dos películas para los más despistados). La familia Russell fueron víctimas de Godzilla, al mismo tiempo de ser parte de la organización Monarch. Ante la pérdida de su hijo mayor, Mark (Kyle Chandler) y Emma (Vera Farmiga) son diametralmente opuestas; uno huyó incapaz de aceptar la existencia del monstruo que mató a su hijo, mientras que ella decidió hacer que la muerte de su hijo no fuese en vano, asegurar el futuro de la humanidad ante todo lo demás. En medio de todo, su hija Madison (Millie Boby Brown), que no soporta la separación de ambos. Cuando el trabajo de Emma parece desencadenar literalmente a los titanes de su sueño milenario, Monarch con el profesor Serizawa al frente debe concentrarse en evitar el desastre, aunque cueste perder la razón ante el mundo sobre evitar el exterminio de los monstruos, o su (ab)uso despreocupado.

En el fondo de las tres películas está la idea de la violencia y la naturaleza. ¿Es lo mismo la violencia humana que la despreocupada depredación?. Evidentemente, no. Aquí es más clara que en la primera, aunque el mensaje es más turbio que en las peripecias colonialistas en la Isla Calavera. Siendo más críticos, aquí vemos a los militares trabajando más cerca de los científicos que en otras. Si vemos más allá de esta saga, y nos vamos a su saga hermana Pacific Rim, son tan parecidas y tan diferentes al mismo tiempo que resulta muy interesante de analizar, pero sería salirme de madre. Al revés que en la primera, lo de la claridad y aparición de los monstruos lo llevan mejor, los monstruos no solamente existen si no que dejan de estar escondidos. Sinceramente hay momentos bastante bonitos, los monstruos que aparecen en primer plano junto a Godzilla son las criaturas más famosas de la Toho con una interpretación nueva, al mismo tiempo fiel pero cercana a los gustos occidentales. El drama humano y las peleas de monstruos se acompañan, no son una el telón de fondo de la otra. Y sinceramente, las muertes que se ven en pantalla se mueven bien entre afinar el drama, porque son personajes que importan a los otros, o sirven para plantear cosas en la película, no son gratuitas aunque sean varias y fácilmente visibles como inevitables por ser una película de monstruos, con algunas que son parte del peso dramático de la película.

Por concluir, que si vais a un festival de monstruos, los disfrutaréis. Si vais a ver una película bien contada y bien hecha, sin más pretensiones, también la disfrutaréis. Además de la canción, os dejo la lista de kaijus aunque tiene spoilers.

Muy protn algo muy chulo de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario.

Comentario: Deadpool 2

¿Qué por qué tardo tanto en comentar esto? Pues porque mi poder mutante es la procrastinación...

Habiendo comentado la primera parte, y habiendo disfrutado tanto la película tanto como aquella (de hecho la vi 2 veces seguidas en pocas horas) ¿Por qué he tardado tanto en comentar?. Pues como digo en el pie de foto, así que ya sabéis... ¡En serio lloré de la risa!.

Por ir hablando de toda la película y tratar el elefante en la habitación, ¿sabéis qué no considero Spoiler? Nada que suceda en los primeros 5 minutos de película ni nada que se vea en los tráilers. Y ya con más de una semana desde el estreno, creo que es bastante seguro hablar de cualquiera de ambas cosas, pero el elefante en la habitación viene dado desde esos primeros 5 minutos de la película y esto es la muerte de Vanessa (Morena Baccarin). ¿Es un caso de mujer en la nevera? De manual. ¿Resulta incoherente o inverosímil para la cinta o la premisa de la franquicia? Para mí no del todo, e igualmente hacerlo resulta chocante y lo señalan así inmediatamente después. La única justificación que se me ocurre es la siguiente: aunar a la Vanessa de las películas con el amor de Deadpool (Ryan Reynolds) de las viñetas, que es la Muerte (encarnación antropomórfica). Yo he creído/querido ver eso, sobre todo por algunas imágenes posteriores. ¿Puedo pecar de complaciente y equivocarme? Pues sí.

Desde ahí, la muerte de Vanessa por su culpa, vemos a Deadpool intentando subsistir y no poder morir pese a los muchos intentos de matarle, incluido los propios. Es entonces que nos reencontramos con otros viejos conocidos de la primera película, Coloso (Stefan Kapičić) y Cabeza Nuclear Adolescente Negasónica (Brianna Hildebrand), además de a Dopinder (Karan Soni), Al la Ciega (Leslie Uggams) y Comadreja. Pero también también nos presentan a los nuevos personajes de esta historia como Yukio (Shiori Kutsuna) [HOLITA], Russel/Puño de Fuego (Julian Dennison), Domino (Zazie Beetz) y Cable (Josh Brolin) [Es su año]. Es varios de estos nuevos personajes que encontramos la formación de X-Force, el grupo y colección relacionada con los orígenes en viñetas del propio Deadpool. Esa relación es diferente para según que personajes, algunos son el motivo de su creación y Domino es parte del equipo con otro mogollón de cameos después. La acción y el humor vienen a continuación, junto con toneladas de guiños tanto a la primera cinta, a los cómics, al cine de superhéroes en general y a acción que llega al gore.

Sobre las referencias a la primera, es cierto que puede llegar a ser redundante, pero no creo que padezca tanto de secuelitis. Es suficientemente diferente de la primera como para merecer la pena, pero es cierto que hay guiños y reiteraciones, sobre todo en chistes. Pero algunos de ellos son resueltos de forma diferente, mostrando como ahora esto es un proyecto con mayor apoyo y presupuesto. Por otro lado, aunque hay momentos que fuerzan la máquina (máximo esfuerzo vaya), no resulta inaguantable si te gustó la primera. Ah, por cierto, no irse del cine antes de ver las escenas post-créditos por supuesto.

E incluso después, que está esta canción de aquí abajo. Y esto es lo principal que tengo que decir de esta graciosísima película que vi hace días. ¡Muy pronto algo más de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario!.

Comentario: Kamen Riders Amazons (2ª Temporada)

Y sí con cintos nuevos...

Bueno, pues como hace ya un tiempo, ha llegado y terminado la temporada 2 de esta serie... ¡Y me ha gustado más!. Básicamente porque los personajes no han estado quietos, han tenido conflictos y han tenido relaciones, ha habido premisas sencillas pero llevadas sin demasiados problemas. Bueno, problemas para la audiencia para ver la serie gore y tan japonesa como es, pero los protagonistas tienen su ración de angustia. ¡A ver qué va pasar!.

Pues al lío, la nueva temporada nos deja 5 años después de los sucesos que dieron por terminado el incidente anterior. Pero algo nuevo empieza a suceder, ya que ahora no son Amazons infiltrados los que aparecen, son humanos que de alguna forma empiezan a transformarse. Con los incidentes hechos públicos, y la Nozama clausurada, parte de los efectivos de la farmacéutica cooperan con el gobierno en el 4C, llevando ahora el exterminio de Amazons de forma más jerárquica y no por mercenarios. Pero no son los únicos, un grupo de aficionados graba sus cacerías por Internet, y tienen su propio Amazon con ellos.

Viejos personajes, como el retorcido Tachibana o el grupo de exterminadores vuelven sin mayores cambios, pero los que regresan en esta nueva situación merece un apunte importante. Para empezar, ahora siendo una soldado exterminadora de Amazons está Mizuki, que en la anterior temporada no podía hacer mucho ni influir en la situación, y he de decir que ahora gana mucho el personaje, adquiriendo sus propios dilemas y conflictos, vamos ¡qué ahora hace cosas!. Haruka/Amazon Omega también ha cambiado, ha combatido mucho y se da cuenta de que no hay un final feliz a la vista, y que lo único que puede hacer es evitar el sufrimiento de otros. Jin sigue cazando hasta el último de los monstruos que ayudó a crear. Kano sigue siendo lealtad y eficiencia hecha persona.

Pero hay nuevos personajes, que tienen un merecido protagonismo. Para empezar, el nuevo "Rider" Amazon, Chihiro/Neo, que no es ni humano ni Amazon, y que sabiendo su impulso caníbal evita a otros, solamente combatiendo para demostrar que no es un monstruo. Trabaja para el X-Team, un grupo de aficionados que utilizan las redes sociales para ganar fama y fortuna, idea toda de Hiroki, que lo monta con sus colegas para no tener que volver a su casa y al instituto como un pringado más. Todo esto cambia cuando se encuentran con el equipo de la 4C, liderado por el jefe de equipo Kurosaki, un hombre que odia a los Amazons y no tiene reparos en utilizar todos los modos necesarios para exterminarlos. Y el principal de sus medios es Iyu, una chica fallecida a manos de su padre transformado y devuelta a la vida como una Amazon Sigma. Iyu es antigua compañera de clase de Hiroki, pero Chihiro cae enamorado de ella al no sentir la necesidad de devorarla. Todo esto no será más que otro dolor de cabeza para Kurosaki, y para el agente de información Fudamori, que solamente quiere hacer su trabajo sin que le maten.

La trama y principal conflicto es resolver los vínculos de los nuevos incidentes con los antiguos. Los lazos y conflictos de los antiguos personajes, con lo que han cambiado o sus motivos para no hacerlo; y las relaciones y conflictos con una nueva generación de personajes. Yendo a lo concreto, la trama tiene momentos muy Romeo y Julieta, con la relación entre Chihiro e Iyu. Iyu es una máquina de matar sin sentimientos, pero Chihiro es un adolescente nada normal y lleno de sentimientos opuestos. El juego de opuestos llega incluso a tener momentos desenfadados entre ambos, pero solamente sirven como prolegómenos de la tragedia en ciernes. Me han gustado estos dos personajes, la historia que tienen detrás y ese imposible que era su relación, sobre todo comparado con los silencios que había en ese sentido entre Haruka y Mizuki en la primera temporada, y como estos también han madurado y tienen otra relación ahora, termina de convencerme más que la primera.

O sea, tenían fácil hacerlo todo más convencional, o simplemente seguir con los mismos personajes; pero en lugar de ello apuestan por modular el tono y mostrarnos dos nuevos protagonistas de esta historia, tal vez no de toda ella, pero sí con peso en ella. Y si Neo/Chihiro es el nuevo Rider principal, entonces Iyu es la primera Rider secundaria en mucho tiempo, y ya empieza muerta así que romper el cliché no está previsto. Las partes de misterio y gore siguen estando ahí, pero en lo primero no era lo más fundamental saber el qué, si no el cómo se ha llegado hasta ahí. Eso ha obligado a un cambio de ritmo, incluso de tono ya digo, pero nada lejos de la original, solamente más eficaz para mí.

Pues eso, que me ha gustado mucho (y si tenéis estómagos fuertes), os recomiendo verla. Palabra de vuestro amigo y ciber vecino Mario. Os dejo con su canción (una de ellas al menos), Die Set Down:

Comentario: Tokumei sentai Go-Busters

Tras mucho tiempo aparcada, me he terminado Tokumei Sentai Go-Busters... faltándome solamente de ellos la película de cruce con la siguiente, pero como llegaré a verla con un amigo lo dejo para entonces, que no he oído nada demasiado bueno de aquella película. Pero este desinterés por ver como sigue su historia o el tiempo aparcada no os debe hacer pensar que la serie ha sido mala. Todo lo contrario, esta serie es de las buenas.

Go-Busters es uno de los supersentais más de ciencia ficción que he visto, y no solamente por robots y por lásers; si no porque su forma de tratar las nuevas tecnologías es de ciencia ficción. El conflicto en la serie viene de como usar una nueva forma de energía, la robótica y el teletransporte como tecnología experimental, su influencia en la sociedad y los peligros de su empleo. Los protagonistas forman parte de una organización solamente pensada para proteger dichos recursos y proteger al mundo de quienes los usan para el mal. Si los malos hubiesen sido humanos en vez de seres artificiales malvados habría que hablar de una ruptura total con el Super Sentai. Digo esto también porque la serie tiene muchas influencias o similitudes con la franquicia de Metal Hero (y cameo presentación de una nueva edición de ellos), pero también con Kamen Rider. Como en las clásicas series de Kamen Rider, los miembros del super sentai son humanos con una mejora, tienen poderes que sus transformaciones amplifican pero que siempre están con ellos.

Todo comienza con el asalto de un virus informático capaz de asimilar tecnología, Messiah, atacando el centro de investigaciones donde estaban experimentando tanto con una nueva energía como su aplicación en teletransporte y robótica. El asalto termina con el centro desplazado a una dimensión de bolsillo para contener a las criaturas. Los únicos supervivientes son nuestros futuros héroes, hijos del equipo del laboratorio, ahora inoculados con algo que les permitiese ser teleportados sin desaparecer y con sus propios Buddyroids, al contrario que sus padres que se sacrifican por ellos. 13 años después, esos chicos son jóvenes destinados a ser los Go-Busters. Estos tres héroes deben proteger la tierra de los Vaglass, las hordas creadas por Messiah; sobre todo de hacerse con el suficiente Enetron (una fuente de energía nueva) como para regresar al mundo.

RedBuster/Hiromu es serio, estricto, recto pero sin tacto, busca cumplir con la voluntad de sus padres, al tiempo que su hermana que no quiere perderle también a él. Su poder es la super velocidad pero tiene una fobia paralizante a las gallinas, incluyendo cualquier representación de dicho animal. Además de su hermana Rika, tiene el apoyo de su Buddyroid/moto Nick, que aunque se pierda y no sea combatiente siempre se esfuerza. BlueBuster/Ryuji es el mayor de los héroes, ha dejado en suspenso su sueño de ser ingeniero y construir los mechas que combate y pilota; siendo una persona amable que debe luchar a su pesar. Por desgracia, cuando combate demasiado estalla en una furia berserker, peligrosa precisamente por su superfuerza. Esto trae de cabeza a su compañero Gorisaki, que siempre vela porque todo le vaya bien, a veces demasiado también. YellowBuster/Youko es la benjamina de los tres, algo malcriada por tener una relación de hermana pequeña con Ryuji, pero que también desea combatir para evitar que nadie más, ni ella vuelva a pasar lo que ella pasó. Su capacidad de salto es sobrehumana, pero para mantener su ritmo necesita consumir calorías todo el rato. Para evitar que se salte pruebas y comidas esta Usada, que hace de pepito grillo todo lo que puede, tienen una relación de demasiada confianza y discuten con frecuencia.

Todos ellos están bajo las órdenes del Centro de Distribución Energética (EMC en sus siglas en inglés), más concretamente de la Unidad de Misiones Especiales, dirigidas por el jefe Kuroki, que además de su superior tiene el difícil papel de padre para los tres, donde se divide su naturaleza. Acompañándole siempre están los muy capaces Nakamura y Morishita, que aunque no combatan se encargan de realizar los complejos cálculos además del control de misiones. Este trío forma el rostro visible de un equipo de cientos de personas que preparan y reparan los Zords y el equipo de los héroes. Luego se les unen directamente en el combate VeetBuster/Jin y StagBuster/Beet Jay, los dos miembros finales de los GoBusters, un dúo de genio excéntrico y Buddyroid de combate. Jin también es un superviviente del laboratorio, pero su personalidad traviesa e infantil guarda relación con como sobrevivió. Jay es por otro lado... especial, siempre tiene un comentario desacertado o un silencio inapropiado, y no puede evitar estar en primera línea.

Los Vaglass están formados por el rencoroso y poderoso Messiah, que busca conquistar y destruir a la humanidad en su constante evolución. Para cumplir su propósito cruzando las dimensiones están Enter, que crea a los monstruos usando la energía Enetron, un virus informático y un objeto común. Al contrario que su jefe, intenta ser previsor, eficaz y tener un objetivo en mente. Eso sirve para que su señor pueda llegar a crecer y conquistar la Tierra después de todo. Y si lo hace elegantemente y jugando mejor. Por otro lado está Escape, que adora la confrontación directa con gente tan buena como ella, y hará lo necesario para complacer a Messiah.

La serie como digo está bien. Tiene un equilibrio entre la solemnidad y la seriedad, con los momentos típicos de los super héroes y la comedia típica de un Super Sentai; pero precisamente porque sobre todo se decanta por ser seria, insisto en el tono "verosímil" de la serie con conceptos de ciencia ficción muy occidentales. De hecho, como Gokaiger referencia a los Super Sentais anteriores, esta serie incluye muchos guiños a los Power Rangers (dicen It's Morphing Time, los robots gigantes son Zords y no Mechas o cualquier otro nombre). Una pena que no fuese adaptada a Power rangers...

Os dejo con el primer opening que es el mejor de los dos y vuestro amigo y ciber vecino Mario espera que disfrutéis con las siguientes entradas:

Comentario más avanzado a D&D 5ª Edición, tercer comentario (¿final?)

Bueno, pues lleva más de un buen par de años la nueva edición de D&D, ya la 5ª; y me apetece hablar más de ella por una serie de razones. Una que es evidente, es que Dungeons & Dragons, el Dragones y Mazmorras de toda la vida (no sé porque cambiamos al principio el orden de términos en primer lugar, o al menos porque lo hicieron en los dibujos animados míticos); es para muchas personas ajenas a la afición al rol la suma totalidad de los juegos, e incluso para muchos, uno de los dos grandes pilares, la piedra fundacional. Sea para emularlo o para contestarlo, casi la totalidad de los creadores de juegos miran a D&D. Los aficionados igual, sea para evitarlo o para jugarlo, nos llega o venimos de él.

¿Y a estas alturas? Como podéis ver en las entradas de este blog, se ha convertido en un habitual: partidas, monstruos, etc. Llevo desde hace más de 2 años con una partida de esta edición con mi ambientación propia, y he empezado a jugar como jugador desde hace un tiempo. He creado criaturas, conjuros, objetos mágicos, especialidades y estoy empezando cosas más complicadas como clases además de equipo y dotes. Como creativo rolero, esta edición es accesible y fácil de personalizar, con unas premisas, leyendo ejemplos para saber lo que quieres, puedes crear lo que necesites solamente con algo de imaginación, o conocimientos previos (adaptar criaturas de pasadas ediciones o transformar clases de prestigio en especialidades); y las pautas que vienen en la Guía del Dungeon Master, haces lo que necesites, tanto para tus crónicas como hasta para tu personaje, aunque siempre necesitas probar lo que creas y comprobar opiniones de tu mesa de juego, especialmente si no diriges la partida tú mismo. Pero si diriges especialmente, puedes crear de todo, permitiendo hasta una creación de un mundo propio rápida y simpática.

Como DM, las reglas te dan control de las cosas pero también te las facilitan a lo más que puedas necesitar. Leyendo y jugando llegas rápidamente a tener control sobre el juego, pudiendo centrarte en el ambiente e historia que quieras contar. Gracias a las mecánicas más desarrolladas (varios capítulos de reglas y combate bien estructurado tienen todo esto a lo que me refiero) y a las simplemente planteadas (la Inspiración, las circunstancias para usar ventaja/desventaja...) cambias sutilmente el tono. El modo de crear los encuentros, que no son simplemente por el número de criaturas si no por paquetes de experiencia, termina de servir para crear encuentros que tú necesites para contar la historia que tú necesites, de nuevo cambiando el tono. Incluso las reglas de daño no letal son simples y permiten hacer que los jugadores tengan encuentros que pierdan sin morir, o rematar les si están a 0 puntos de golpe... Sencillez otra vez.

Y como jugador, aun con el DM como árbitro y dirigiendo, tiene acceso a una libertad creativa bastante ancha. Aun sin permitir cosas inventadas o recuperadas de otras ediciones, el personaje puede ser interesante. Las reglas han separado, o más bien señalado, los tres aspectos que toda partida contiene, pero que no todo personaje y jugador necesita dominar del todo; que son la exploración, la interacción social y el combate. Los razas y las clases se centran en varios de estos aspectos, sobre todo en exploración y combate; pero dan contenido para dar color y coherencia a la interacción social, que recibe casi todo lo demás del llamado Trasfondo, que cuenta quien era y es tu personaje, no solamente lo que sabe hacer. Ayuda a ponerle en un lugar en el mundo y con respecto al resto de las personas, ayudando mucho a definir le. Mientras que el trasfondo aporta mucho, las dotes pasan a ser una regla opcional (y eso me encanta), e incluso siendo opcionales puede que no necesites ninguna para funcionar bien. La interpretación está más enfocada dentro de las interacciones sociales, pero no queda lejos de la exploración ¡e incluso del combate!. Nadie tiene ahora nada en su clase o raza aburrido, y un trasfondo muy típico o muy extraño termina de dar color a cada personaje. ¡De nuevo es un juego sencillo para poder jugar!.

Y bueno, no es noticia fresca, pero sigue siendo una noticia en el futuro. Al fin Wizards of the Coast han hecho un plan para exportar el juego a otros países no anglosajones, mediante colaboraciones. En España, quien editará oficialmente la línea de manuales será Edge, pero la licencia abierta permite crear juegos con estas reglas a otras compañías, en concreto conozco bien el caso de Nosolorol y la Marca del Este que están haciendo un juego conjunto. ¡Tengo ganas de ver el resultado de ambas líneas de D&D en España!.

¡Pronto más cosas de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario!.

Comentario: Shin Godzila

Bueno, pues hace poco vi la última y más reciente película de Godzilla, Shin Godzilla, o "Godzilla Resucita"; pero pese al título, estamos con un completo Reboot tanto para la criatura como para el mundo. Aclaro esto, y también que el tono de la película busca ser muy verosímil.

La acción comienza con la grabación de unos guardacostas, que encuentran un barco abandonado. Instantes después, un temblor y un géiser marino hacen que se deba desalojar un túnel en la cercana bahía de Tokio. De repente, de la aparente erupción marina, se ve lo que parece una gran cola de un ser vivo, un enorme animal. Con sorpresa, el gobierno japonés empieza a actuar, acuciado por el peligro que la criatura demuestra ser para la población. Obligados a crear un comité de mentes extrañas, calmar y proteger al público; se enfrentan a una situación incomparable. Esta película es un drama político, más que una película de terror o de acción. ¡Y se agradece!. El monstruo rara vez es el foco de todo salvo para lo que representa, un peligro imbatible. Los efectos en el mundo de este horror y prodigio no dejan de crecer, igual que el propio monstruo.

De hecho el foco es como el gobierno en sus distintas partes hace preparaciones, observaciones o vive derrotas en la situación; lo que significa esos enfrentamientos. Vemos a la gente en despachos, también a la población huyendo en cámaras de móviles o de seguridad, cosas así. Todo para hacer que una historia sobre un monstruo gigante sea verosímil, y sí me atrevo a decir que incluso realista. Hideaki Anno (sí, el mismo de Evangelion) y Shinji Higuchi logran esto con un reparto coral, aunque rompa esquemas tanto con el género como con la mayoría de películas actuales. Lo más similar a un protagonista, es el secretario Yaguchi (Hiroki Hasegawa), miembro del gobierno que piensa fuera del sistema, y cuyas opiniones poco ortodoxas parecen la clave, y la diplomática y agente americana Kayoko Ann Patterson (Satomi Ishihara). Luego hay tal cantidad de actores que aparecen brevemente, que es imposible sin contar detalles de la cinta y con todos ellos; pero como fan del género Tokusatsu, es muy entretenido reconocer a un montón de actores de Kamen Rider.

¿Se merece esta película loas? Creo que sí, como digo está muy bien, es una película de personajes coral y con un mensaje sobre la importancia de los normalmente villanos en ficción y realidad: los políticos. ¿Es mejor que la americana? No, porque es totalmente distinta, aquella era un drama con acción, con un protagonista que aunque forzado obedecía a una fórmula tradicional (incluso en las propias películas antiguas de Godzilla pasaba eso). Shin Godzilla es un nuevo reboot, para una nueva época, que en lugar de centrarse en un mensaje pacifista únicamente, también habla sobre decisiones políticas, de como la ciencia y la política pueden no ser soluciones perfectas o fáciles, pero son más seguras que la simple acción militar.

Godzilla es un ser imparable, literalmente un dios, de nuevo. Su origen no es tan diferente del de la versión americana, aunque el universo ficticio y la criatura sean claramente distintos: una criatura marina afectada por los residuos nucleares sellados. De hecho, si ves a la criatura, podéis ver su metamorfosis. El diseño es creepy, desagradable y muy original. Pone énfasis en lo antinatural de Godzilla y su poder (y Hideaki Anno le pone poderes dignos de los ángeles de Evangelion). Y la banda sonora me recuerda a algo...

Pues kaiju consejo de vuestro amigo y ciber vecino Mario, ved la película.

Comentario: Kamen Riders de los 90

Bueno, pues me he visto varios Kamen Rider de hace más de 20 años. Y os vengo a hablar de ellos, impresiones incluidas, además de un pequeño resumen. El orden es el que yo seguí al verlas, no el de estreno de ellas... que es justo el inverso.
Las tres películas son de una época en la que no había Kamen Rider como serie de televisión, pero fueron intentos (fallidos) de resucitar a la franquicia. Todos comparten el elemento estético del saltamontes, tal y como lo tuvieron los primeros de ellos. Pese a ser de los 90, son Showa para todo el mundo, porque su creador Ishinomori estaba vivo y participó en su creación. Kuuga cambiaría eso, pero también pasó por la mano del gran maestro, y se puede reconocer similitudes con ellos.

Kamen Rider J
Koji Segawa está realizando un reportaje fotográfico sobre los efectos de la polución en las montañas, mientras que desastres medioambientales suceden a lo ancho del planeta. Se hace amigo de la pequeña Kana, una niña local, y junto a ella son testigos de la llegada de la nave espacial/fortaleza móvil de Madre Niebla y su progenie. Los invasores matan a Koji y secuestran a Kana para que sirva de aperitivo/sacrificio al resto de los monstruos espaciales. Los espíritus de la tierra resucitan a Koji y le dan la misión de combatir y salvar tanto a Kana como a la tierra.
La primera que vi, y había picado mi curiosidad. ¿La razón? Porque es J el único Rider capaz de verdad de crecer hasta un tamaño colosal, al nivel de un mecha de Super Sentai o al nivel de Ultraman, e imagino que eso era el punto fuerte cuando se estrenó. Hablando de esas otras franquicias, los orígenes de J son semejantes a estos; ya que no son los malos o alguien relacionado con ellos quienes le transforman, o ni si quiera usan los mismos medios; y me atrevería a decir que eso le aleja la franquicia. La historia es más pueril o infantil, pero la imaginería y efectos son bastante turbios: la armadura es biológica y se ven como cicatrices en el Rider al pelear, y los monstruos son también de aspecto orgánico. De hecho, una par de las criaturas tienen elementos de homenaje a kaijins de los primeros Kamen Rider. Dura 3 cuartos de hora, así que se ve en un tris.

Kamen Rider ZO
Masaru es el asistente del doctor Mochizuki, pero despierta convertido en un cyborg con el propósito de proteger al hijo del científico, Hiroshi. Monstruos parecen querer dañar o coger al chico, pero como Kamen Rider ZO batalla contra ellos. ¿Pero cómo sabe él todo eso? ¿Qué buscan los monstruos? ¿Qué relación tiene con todo esto el desaparecido doctor?.
Esta película tiene en común parte del diseño del Rider y la duración, pero el estilo es más Kamen Rider; ya que tiene componentes de ciencia ficción, tanto en el origen de los monstruos como en el del Rider. La verdad es que sabe a poco, como J, porque acaba siendo una historia cerrada y sencilla. De nuevo, mezcla estilos de terror con trama infantil, un clásico en Kamen Rider, pero gana puntos de nuevo por la aparición de monstruos inspirados en la serie original, y también por la aparición de Kenji Ohba (el equivalente japonés a Chuck Norris, pero mucho más majo y entrañable además de duro).


Shin Kamen Rider Prologue
Shin Kazamatsuri es un piloto de moto que se somete a los experimentos médicos de su padre tras un accidente, tras los cuales empieza a tener sueños de ser un monstruo mitad insecto que comete asesinatos por las noches. Su novia Ai Asuka también trabaja en el experimento, como enfermera. Pero por encima de Ai, de su padre Daimon y del obsesionado doctor Giichi Onizuka, una organización teje los hilos de Shin sin saberlo. Cuando la agente de la CIA Fukamachi se pone en contacto con él, ya parece que ha perdido todo, desde su familia a su humanidad.
Bien, había imaginado que esta película era más adulta que casi cualquier otra; pero no esperaba desnudos y escarceos sexys, paternidades mutantes ni tanto gore (presente por otro lado en las anteriores mencionadas). Shin no es un cyborg, es un mutante, parte humano y parte saltamontes; con todo su cuerpo capaz de perforar y cortar prácticamente cualquier cosa cuando está transformado y una extraña afinidad con otros como él. La misteriosa organización, los humanos modificados mediante ciencia y el héroe que comparte origen con estos, pero les combate; eso es más importante que otras cosas para ser un Kamen Rider. Pero atentos a que esto no es para niños, me recordó a esto. Añadid un muy simpático cameo de Shotaro Ishinomori (creador de Kamen Rider), a lo Stan Lee.

Y pronto más cosas de parte de vuestro amigo y ciber vecino Mario.

Comentario: Kong - la Isla Calavera

Existen los monstruos...

Bueno, pues como otras veces que decido ir a ver una película al centro de Madrid, he dado un paseo... y no he podido encontrar una sala en el centro con una sesión de antes de las 10 que no fuese doblada ¡Y tras terminar una serie quería mucho ver algo doblado!. Ains... culpa mía por no ir a otro cine como Méndez Álvaro o Príncipe Pío... pero bueno, no importa. ¡Porqué la película es genial!.

La película es una visión de la historia que todos conocemos, con medios modernos pero intenta no ser actual, y lo consigue, localizando la historia en los últimos días de la derrota americana en Vietnam. Con la sencillez de una historia de monstruos gigantes, se pueden adivinar homenajes a las aventuras literarias clásicas como Moby Dick o Robison Crusoe, e incluso a gran cine bélico como Apocalypse Now o al cine de Kurosawa como era Dersú Uzalá, lo que resulta sorprendente. Pero insisto que son toques por su calidad visual y por la sencillez de la historia. No siempre funciona todo, por el componente fantástico que puede resultar más que desparatado, pero estoy hecho a estas cosas a estas alturas.

La película comienza precisamente con la locura de la retirada de Vietnam, cuando William Randa (John Goodman) pide apoyo en nombre de Monarch para una expedición a una misteriosa isla. Recluta a la compañía aérea de Preston Packard (Samuel L. Jackson) y al ex-fuerzas especiales británico James Conrad (Tom Hiddleston), y se les une la suspicaz reportera gráfica Mason Weaver (Brie Larson). La investigación en la isla busca estudiar como la tierra esconde bajo su superficie a los monstruos que antes la dominaban, y el más grande de la isla no se lo toma nada bien, Kong. Ya en la isla se encuentran con un antiguo soldado abandonado casi 30 años en este ambiente, Hank Marlow (John C. Reilly) y los silenciosos nativos. Allí descubren que ni el único ni peor peligro de la Isla Calavera es Kong. Kong es el guardián contra otras criaturas peores.

Y vamos con un concepto gracioso, porque además de la cantidad de actores presentes y futuros del universo cinematográfico Marvel, la escena postcréditos es genial; casi parecía una película de Disney/Marvel más que una de Universal. Y es que el tráiler despeja cualquier duda que pudiera dejar la mención de Monarch de que esto es un universo de monstruos, no solamente con Kong y sus paisanos, también con Godzilla... y una lista grande de reyes de la creación. El cliffhanger es alucinante y brutal. Y todo ello haciendo que Kong salga a tope en la película, no como en la anterior.

¡Vuestro amigo y ciber vecino Mario no puede más que recomendárosla!

Comentario: Lego Batman La película

Bueno, pues después de ver esta película he decirlo claramente: es mi película favorita de Batman, es un homenaje completo al personaje en toda su extensión (que la propia cinta repite e insiste que es mucha), llena de tanto humor y referencias veloces que casi te pierdes. Mala leche y encanto infantil envueltos y contenidos de forma hasta coherente, y un aspecto diferente de lo visto en La Lego Película (y nueva entrega ya anunciada de hecho, pero sigue explorando otra parte de ese infinito mundo que está hecho de bloques).

Insistiendo en la comparación, mientras que la anterior nos describía un mundo infinito que se habría; esta película nos presenta lo opuesto: nos enseña esa parcela que es Gotham de Lego donde Batman es el amo y gran héroe del cotarro. Pero claro... este Batman es la amalgama de todas sus encarnaciones habidas (y casi por haber). Y Batman no trabaja con nadie, al menos en el cine hasta ahora y de manera exitosa; la gente recurre a él solo o como figura inalcanzable y perfecta tanto, que quienes dicen "Ojo, pero no está solo siempre" a veces parece que hablan de otro personaje. Es de esa tesitura, de esos distintos puntos de vista donde empieza esta cinta, que de manera más sutil que la anterior, también rompe la cuarta pared en varias ocasiones. A mí, esta desdramatización del Batman más oscuro, el de Nolan y Miller especialmente, el "Jodido" Batman, me ha encantado, ya digo.

Insisto en que esto es un homenaje en clave de comedia, rozando la sátira pero abrazando la parodia, con cariño y mucha inteligencia a Batman y todo lo que tiene detrás. Y lo que tiene detrás son enemigos, reales e imaginarios, asumidos e ignorados; y por su puesto ridículos o celebérrimos. Lo que no tiene por constraste es vínculos. No tiene familia porque siendo el asombroso y genial Batman no lo necesita. ¿O sí?.

Y no quiero reventar nada más porque los tráilers no lo han hecho, han sido divertidos y no quiero estropearlo. Solamente contaros que en versión española hay actores célebres interpretando algunos de los personajes, incluido alguien recientemente premiado dando la voz a su mayor enemigo del principio de la película. ¡Vuestro amigo y ciber vecino Mario os encomienda a ir!.

Comentario: Doubutsu Sentai Zyuohger

Bueno, pues ha terminado la última serie aniversario de Super sentai, la número 40; pero Zyuohger ha sido algo más que una serie de aniversario, ha sido una muy divertida y memorable serie de Super Sentai. Podríamos decir que el tema de esta serie, como otras son de ninjas (1 y 2), otra de aventureros y así, esta serie podemos resumirla o como una serie con mensaje conciliador y ecologista; o directamente este es el sentai furry. Y ambas definiciones son demasiado cortas e injustas, porque hay mucho de lo que hablar.

Primero el argumento, que tiene dos muy diferentes puntos para el conflicto, y que a lo largo de la serie la fórmula de los monstruos de la semana sirve para el propósito de exponer aspectos de ellos. Por un lado tenemos a nuestros héroes protagonistas, cuatro de ellos acaban de quedar exiliados sin quererlo en un mundo que no conocen y en el que deberán aprender a convivir, pero harán amigos y descubrirán cosas de ellos mismos, de este mundo nuevo y del suyo propio. Por otro tenemos que la Tierra está siendo invadida por los Deathgalien, monstruos alienígenas que participan en un juego mortal bajo los auspicios del malvado Genis. Me detengo en esto porque cambia mucho una constante en las series de Super Sentai: los malos buscan acumular alguna clase de energía o recurso, o conquistar la tierra, o ambas cosas. Pero los Deathgalien no, simplemente hacen esto por placer lúdico, destrucción a costa de la vida de otros seres por un juego.

Sobre personajes, esta serie tiene bastantes de ellos, pero lo importante de estos no es si no las relaciones que tienen, porque ese es uno de los temas: las relaciones. Amistad, familia y afinidades como formas de vínculos entre distintos individuos. Voy a explicar a los personajes, en tres categorías, y empiezo con los héroes:

• Yamato Kazakiri: Nuestro "líder", aunque no lo sea; sí que es quien ayuda al grupo, y al contrario de la mayoría de rojos, no es un bobalicón temerario, es un biólogo sensible y temerario. Su aprecio por los demás seres vivos, su curiosidad y empatía naturales, además de un extraño suceso en su infancia, le convierten en ZyuohEagle. Es un gran personaje por sus diferencias con respecto a la mayoría de rojos, y me recuerda más a TimeRed por ser precisamente un no líder (aunque tenga protagonismo), se distingue del resto de su grupo e intenta que se integren y se sientan a gusto en un entorno que desconocen (y por lo poco que sé se parece más GaoRed de Gaoranger, que es veterinario). Su historia familiar, que no quiero reventar, es además una de las más verosímiles que he visto nunca en la franquicia. Desarrolla una vista sobrenatural, como la de un águila por alguna misteriosa razón, que luego se explica.
• Leo: ZyuohLion es lo que uno esperaría de un líder rojo típico, ya que es temerario, machito, infantil e incluso mujeriego. Sus galanterías son de intento honesto, pero sobradas; y en la serie se nos expone así, algo raro. Aun así, me recuerda a otros amarillos echados para adelante y fortachones. La protección de los débiles no es solamente de paternalismo hacia las mujeres, también hacia niños o gente herida. Curiosamente, las veces que lleva la delantera en combate son más que habituales, y aunque el grupo no requiera de liderazgo, él se hace escuchar.. Precisamente esa es su capacidad, su voz es atronadora, ya sabéis... porque es un Zyuman león.
• Sera: Zyuman tiburón, y por tanto ZyuohShark, es una de las voces de la razón; la mujer fuerte y decidida, lo que crea interesantes tensiones con Leo, ya que ella le señala lo malo de su actitud. Pero no es solamente una chica que desea ser tratada como una igual por los hombres y que se toma muy en serio el combate y las obligaciones, también es la que más echa de menos a su familia, la que sabe y recuerda que tienen su propio lugar. Su forma de ser es por tanto muy parecida a azules masculinos de anteriores sentais, también a alguna azul (especialmente BlueDolphin de Liveman). Ella tiene una percepción auditiva sobrenatural gracias a su naturaleza de escualo.
• Tusk: el Zyuman elefante cerebral y estricto, al que como Sera le cuesta confiar en la gente, no tanto porque sea paranoico, si no porque sabe que los riesgos a crear malentendidos o a poner en peligro a otros también han de tenerse en cuenta. Le encanta la lectura y hasta encuentra un trabajo en una librería de segunda mano. El ser ZyuohElephant además le da una fuerza capaz de provocar temblores. Esa forma de ser me recuerda a algunos verdes y negros, que son independientes e inteligentes, aunque mezclados. Su olfato es prodigioso.
• Amu: La Zyuman tigresa es felina, es decir, caprichosa y astuta, pero también bastante positiva y amable, pragmática e independiente; como ZyuohTiger es ágil y poderosa. También ese cariz caprichoso y espabilado se traduce en que sabe convencer a la gente, además de entenderla. Sabe ser sincera y algo manipuladora cuando hace falta, pero no por motivos egoístas; si no para derrotar enemigos que no se les pueda derrotar de otra manera, o convencer a alguien terco o con problemas... Su sentido del gusto le ayuda mucho a disfrutar de los dulces.
• Misao Mondou: Problemas como el pobre Misao, ZyuohTheWorld, secuestrado y con su mente alterada para obedecer a Genis. Cuando se libera conocemos al verdadero Misao... un chico inseguro que por su incapacidad social carece de amigos, al que le gustan las manualidades y la pesca... y propenso a caer en estados depresivos y a pedir disculpas (ay como le entiendo). Gracias a los demás Zyuohger aprende a adquirir confianza, aunque tenga en su conciencia que para hacerle así, murieron tres Zyumans a los que ve en su cabeza como una forma de subconsciente. Por ese sacrificio además del resto de poderes, adquiere un sentido superior del tacto, y no solamente el gran trauma.

Hay otro personaje que está a medio camino de Zyuohger y secundario, Bud, pero creo que será mejor que lo conozcáis viendo la serie. Los secundarios de los que hablo a continuación son interesantes, aunqueque omito a un par de ellos (Bad y otro más) para evitar revelar cosas que merece la pena ver en la propia serie:

• Mario Mori: El tío de Yamato y dueño de la casa/estudio donde viven nuestros héroes. Es un tallador y escultor que se inspira en los animales para sus obras, y que para conseguir dicha inspiración se disfraza de ellos, tanto para atraer algún ejemplar que sirva como modelo como para sentirse en su lugar. Suele dar buenos consejos, y aunque le extraña como esos chicos y chicas desconocen tanto del mundo, les acepta y no busca exigirles explicaciones; lo que se traduce en que durante la mayor parte de la historia desconoce la identidad de su sobrino y sus amigos, pero acepta rápidamente tras meditarlo mucho (y hacen un auto homenaje al actor en el proceso). Tras el papel paternal pero conocedor, resulta tierno ver este papel a lo Lois Lane.
• Larry, el Gorila: Larry es un estudioso de los humanos atrapado a su pesar en el mundo humano, pero que por culpa de las reacciones de la mayoría de estos a un gorila suelto acaba adquiriendo un terror enorme a ellos. Gracias a Yamato, pierde este miedo y a cambio le presta parte de su fuerza. Sigue explorando el mundo humano y ayuda a los héroes cuando hace falta.

Y por fin los villanos, los líderes del Blood Game, los altos mandos de los Deathgalien y un invitado:

• Genis: Dueño de una nave espacial (Sagittari Ark) y organizador del Blood Game, se considera la forma de vida más avanzada, disfruta organizando su juego de destrucción planetaria. ve el genocidio como un partido deportivo y un sacrificio en su nombre por parte de sus seguidores. Solamente su entretenimiento merece la pena, nada más es importante. Es manipulador, cruel y sádico en todo lo que hace; y extremadamente peligroso y poderoso.
• Naria: Fiel asistente de Genis, es ella la que ejecuta sus órdenes y preparativos, así como devolver la vida a los Jugadores caídos ante los Zyuohger, insertando monedas cargadas con fuerza vital de Genis en la ranura correspondiente, un Continue vamos. Su labor y su devoción coinciden en hacer la voluntad de Genis y en protegerlo.
• Azaldo: Criatura inmortal, líder de equipo directo y brutal; así que sus jugadores son directos y ofensivos, con gran poder destructivo. Es fiel a Genis, aunque su existencia tiene secretos... como su aparente inmortalidad y lo que esconde que su cuerpo esté formado por cubos.
• Cubal: O Qubal es el opuesto a Azaldo, calculador y manipulador, sus jugadores no usan poder de ataque directamente, en lugar de ello prefieren emplear artimañas y torturas emocionales y mentales para entretener a Genis. Él también tiene un secreto y sus propias ideas, incluidas conseguir servidores que hagan su voluntad; y el secreto lo revela alguien imprevisto...
• Bangray: El cazador de bestias espaciales, o sea ballenero espacial, es un tipo igual de sádico que Genis, pero en lugar de solamente juegos, vive por la emoción de la caza. Además de fuerza, cuenta con una mano capaz de leer memorias de otros, y luego darles forma física. Hasta que encuentra lo que busca en la Tierra, encuentra placer en romper todos los valiosos lazos de Yamato, además de descubrir el secreto de Cubal. Insisto en que un malo ballenero espacial en un programa japonés me parece algo a aplaudir.

Y Jaded, líder de equipo que no vemos mucho y no hay demasiado que decir... salvo que su destino se continua en un par de episodios, o más bien las consecuencias de su destino.

La serie en sí me detendré a hablar de su estructura y recursos, que merecen comentario aparte. Como dije al principio, esta serie es de homenaje, pero toma una dirección más sutil que Gokaiger, bastante semejante a Boukenger, ya que son los monstruos los que recuerdan a monstruos del pasado; aunque homenajes velados de otra índole aparecen (los Mechas de los héroes, un guiño en algunos episodios) y un episodio doble con el retorno de los Gokaiger que es de lo mejor que he visto nunca (y que sigue la estructura de uno de sus episodios pero al revés). La fórmula de monstruo de la semana es evidente y creo que bien llevada: los monstruos además de homenaje a otros de otras series son además diferentes entre sí, y la serie les presta la atención justa para que haya desarrollo de personajes protagonista y de la trama, sembrando o planteando cosas que se resuelven más adelante, pero no se dejan solamente en el aire. Los motivos son coherentes o tienen explicación: el poder de los héroes viene de la Tierra, son sus elegidos, y sus Marcas del Rey son objetos de poder. Los Mechas (que me recuerdan a los de Shinkenger) siguen el mismo patrón de cubos, y añadido a que los monstruos tienen motivos de géneros de vídeo juegos (de tiros, lucha, etc), los efectos de partículas con formas de cubo da a todo cierto aire de vídeojuego (Minecraft precisamente). La serie aprovecha en esto de tener un par de sorpresas que no quiero reventar, que son bastante lógicas y no siempre las puedes ver venir. Además, aprovechan su naturaleza no humana para cambiar su apariencia, y jugar a equívocos y a poder moverse sin causar extrañeza, o para aprovechar y hacer sus apariciones memorables.

Solamente me falta ver su pelícual de epílogo y su película de cruce con Ninninger. Y eso es todo, pero os dejo con su opening y espero que leáis las próximas cosas que compartirá con vosotros vuestro amigo y ciber vecino Mario:

Continuidad de Kamen Rider

La franquicia de Kamen Rider ha tenido períodos de gran continuidad y de poco continuidad, es uno de los rasgos que separa la época Showa de la Heisei (en lugar de la familia imperial japonesa), ya que mientras vivió y trabajó en las franquicias el autor original, Ishinomori; más o menos todas las historias tenían puntos en común. Sin embargo, con la falta de proyectos televisivos en los 90, y la muerte de Ishinomori en el año 98 esto se rompe. Ya habiendo empezado lo que sería la resurrección de la franquicia, con Kamen Rider Kuuga, sería esta serie la que serviría de molde para la gran mayoría de series modernas, del 2000 en adelante. Sin embargo, sin una supervisión única; quedaba en manos de los equipos creativos, designados por Toei, para cada temporada la cuestión de la continuidad.

Hasta 2010, la respuesta era que no había continuidad oficial, pero podía verse una a veces si así se deseaba. Es en 2010 que esto cambia, demostrando que la idea de que cada historia de Kamen Rider es independiente como algo más complejo de mantener que crear una continuidad, aunque no férrea o marcada, para recuperar elementos de momentos previos (y emulando a Super Sentai, también de Toei). Mediante cruces, cameos o adelantos, ciertas historias se entrelazan. Muchas veces esto sucede por motivos meramente comerciales, pero otras es gracias a que comparten miembros de guionistas o dirección.

Aunque dentro de cada historia que une a dos temporadas hay ejemplos buenos o malos de narrativas o coherencias, me parece interesante que han ido incorporando elementos previos que han recreado la continuidad moderna de una manera diferente y paralela a la continuidad original Showa. Por un lado, hay el uso y recuperación de elementos Showa: recuperación de la tecnología como origen de los Riders, la vieja sombra del malvado grupo SHOCKER (y variantes) y recuperando a un único Kamen Rider o dúo de ellos. De la Heisei, han incorporado: el fuerte conflicto entre Kamen Riders, mezcla de magia y ciencia como origen, la ausencia de modificaciones quirúrgicas en el origen del personaje... y la presencia de misteriosas deidades de gran poder y poca definición. Un elemento que divide casi por la mitad Heisei es el uso de dos o tres temas: un tema o localización para los poderes (el espacio, joyas mágicas, una empresa tecnológica) y otra para definir al grupo de protagonistas (un templo, un instituto, vehículos, etc).

Aclarar, que también han adaptado de forma puntual esos elementos. SHOCKER ha tenido sus actualizaciones como Badan (película de Gaim) o como La Fundación X (con apariciones esporádicas desde W hasta Gaim), o han recuperado recientemente el concepto de operación quirúrgica (en Kamen Rider Ex-Aid). Pero esa clase de entidades, de gran poder, que desde Agito se localizan en el cosmos y mitología de Kamen Rider, los Overlords; me causan interés por su inexactitud y diversidad. Comenzó como uno o una pareja de entidades que son el motor de la trama de Kamen Rider Agito, para no volver a ser mencionados abiertamente hasta Kamen Rider Gaim. Sin embargo, estas entidades con poderes divinos pueden asimilarse al poder que dio comienzo a la Battle Fight de Kamen Rider Blade, la identidad real de los Presentadores de Kamen Rider Fourze; e incluso su poder puede compararse al visto en kamen Rider Ryuki del mundo espejo, o al del rey Orphenoch de Kamen Rider 555. Pero el más cuestionable, pero más interesante candidato a Overlord no oficial pero potencial es para mí El Gran Líder de Shocker, una entidad de puro mal capaz de alterar su forma física y de escapar al tiempo y al espacio, nunca muriendo del todo e inspirando a grupos malignos durante décadas, o más.

Y hablando de Shocker, su capacidad de adaptación o de reciclaje es más que habitual, adquiriendo nuevos emblemas o adaptando su nombre (Super, Espacial o Neo, entre otros). Pero para justificar dicha presencia, se requieren lazos con los nuevos villanos, una asociación no siempre sencilla. Uno de los casos que más me interesa, y tal vez no sea de su mejor episodio o película, pero en Kamen Rider OOO el cruce de los villanos clásicos de Shocker con los nuevos monstruos de la serie (Greeeds) tenía lógica gracias al origen medieval de estos últimos: Shocker intentó recrear a dichos poderes alquímicos, pero fallaron al no crear todo el proceso. Y esto da pie a pensar que Shocker puede bien haber usado otros poderes anteriores (¿Son los Kaijin/Monstruos de Shocker híbridos usando poderes como los de Kuuga?). Pero también permite pensar en una línea coherente: los Riders y los monstruos serían desarrollos de anteriores, como por ejemplo se vio en Agito: donde el traje G3 fue inspirado en Kuuga. ¿Por qué no unas vinculaciones similares de ahí en adelante?.

Todo esto son más teorías de un fan, más que algo cierto; pero para hacer ficción propia es útil.

[Un artículo que quería escribir, tanto para mis proyectos de rol como para ideas para fan fics y otros proyectos similares, además de material de discusión con otros compañeros fans. Opinad en los comentarios a vuestro amigo y ciber vecino Mario.]

Comentario: El Pregón

Hace poco vi esta película, esta comedia tan divertida; y que tenía un par de sorpresas que agradezco. Aunque su mayor valor son sus protagonistas, Andreu Buenafuente y Berto Romero; y la química que ambos tienen entre sí, y con el resto del elenco, tiene más cosas.

Primero explicar la trama, que es sencilla, y empieza con Super Galactic, un dúo de música de los 90 que acabó siendo flor de un día, compuesta por los hermanos Osorio, Richi (Berto Romero) y Juan (Andreu Buenafuente) que llevan años separados, pero el alcalde de su pueblo natal (Jorge Sanz) tiene un buen montón de razones para reunirles; y su propio motivo, recuperar a la profesora del pueblo, Silvia (Belén Cuesta) usando al grupo. Richi y Juan tienen ambos sus (problemas) razones para reunirse, no solamente económicos. Richi sigue intentando demostrar su talento, y Juan quiere ser un buen padre, demostrar que le importa y puede ocuparse su hijo (y su familia).

Esta película es divertida en dos elementos, primero por los personajes; y luego por las situaciones, la ya clásica "pez fuera del agua" que hace que dichos personajes protagonicen momentos divertidos, tanto cuando lo pasan mal, pero también en momentos agradables o de triunfo para ellos. Juan es un personaje profano, con los pies en el suelo, el arquetipo de "perdedor adorable", y Buenafuente controla bien ese "hombre normal con limitaciones", casi de uno de sus monólogos. Luego tenemos a Richi, que con toda la comicidad de Berto es divertido, es extrañamente coherente; me explico. Richi intenta dar la imagen de artista y de alternativo, y aunque miente por cumplir con las apariencias, no es solamente apariencias, lo que se agradece porque ya está demasiado explotado eso. Él es un vegano, y lo es de verdad el personaje, no es una mentira como las que cuenta tratando de parecer más artista de lo que es por ejemplo. Eso lo agradecí. Como también agradecí que el personaje de Silvia, aunque sea un interés romántico, no lo es de forma tóxica, con un personaje femenino libre y divertido por sí misma, pero que también ayuda al resto de la trama. El personaje de Francisco (Goyo Jiménez), secuaz del alcalde, y este; dan también pie a muchas situaciones cómicas.

Porque como decía, el otro elemento de la comedia es la situación, el pueblo de los protagonistas, que ellos había olvidado. El ambiente rural, al que deben agradar; se mezcla con su interés y desconocimiento, produciendo situaciones de absurdo y mal entendidos. Pero aunque esto es típico (pez fuera del agua, visto un número infinito de veces), sigue estando bien construido cada vez. De hecho, habiendo dos momentos importantes de este tipo ambos son totalmente diferentes en su conclusión. Pero bien construido.

Y creo que eso resume la película, que es divertida porque está bien construida. Todo lo que es importante se avisa y construye antes, crece con los momentos anticlimáticos y con revelaciones que son coherentes y sirven como giros. La verdad es que lo siento así. O sea, que a vuestro amigo y ciber vecino Mario le ha gustado mucho todo esto.

Definiciones XII - Los límites del humor y los cómicos limitados

Del Washington Post.

Bueno, he estado pensando esta entrada durante meses ¿un año al menos? ¿con ideas y experiencias previas añadidas? Pues probablemente, pero voy a empezar con esto directamente, que el ritmo es importante y ya estamos a 3 de enero. El humor tiene límites, por supuesto que menos, y esos límites son varios:

Pues no tiene maldita gracia. Por un lado tiene un límite de objetivo: que sea gracioso o haga gracia, al menos a tu público (esto último lo desarrollaré en otro punto). Si intentas usar ironía o mala baba para criticar algo, entonces no necesariamente estás haciendo humor. ¿Eso des-legitima en algo tu acción? No, la sátira como herramienta para la crítica es perfectamente válida, pero si alguien te discute o rebate, ampararse en el era broma es acobardarse más que defender el chiste o intención. Pero dejando el tema de la sátira, la función del humor es mayormente hacer reír, aunque sea solamente tú solo. Cuando haces reír a otros, no deberías perderles de vista...

¿Quién es usted? ¿Quiere dejar el cadáver de mi abuela en su ataúd? Y siguiendo con el concepto de "los otros", un concepto importante: ¿a quiénes estás dirigiéndote?. Si quieres hacerles reír, sin más, tienes recursos más o menos fáciles; pero que no son iguales para según tu público. Al intentar hacerles reír (o emocionarse con un drama, sentir miedo de algo de terror, etc) pueden pasar tres cosas en distinto grado y proporción, que son: indiferencia, satisfacción o indignación. El humor es muy visceral, y mientras que otros géneros que buscan reacciones más mentales o sosegadas; el humor tiende a ser extremo y efusivo. Por eso parece haber tanta indignación contra el humor. Pero de nuevo, es solamente percepción, porque más que el drama (pero semejante al terror), el contexto importa mucho. El humor no es solamente un género o una opción laboral, es una respuesta emocional que casi todo el mundo usa. Puede usarse para enfrentarse a cosas terribles, pero solamente por los afectados. Es por eso que un judío puede hacer chistes con Nazis sin ser ofensivo, o que una mujer puede burlarse de estereotipos de madres o ligues; y por lo que todos nos reímos al caernos. Pero si un desconocido va de entierro en entierro haciendo chistes sobre la muerte o haciendo referencia al muerto sin conocerlo, probablemente no tarde mucho en asistir al suyo...

No te rías, me has hecho daño con la zancadilla. Porque ese es otro punto, relacionado con el público y el contexto; y es el contexto de quien utiliza el humor. Como dije, el humor no es solamente un género de ficción del que puedes ser profesional especializado, es algo que se tiene; pero no siempre es bueno. No siempre es terapia, una forma de enfrentar o crítica. A veces es un puñal social, un mazo en manos de abusones. Y la diferencia entre abusón y tío gracioso no es fácil de ver sin perspectiva. Con perspectiva, ese supuesto dolor o miseria en el humor, es siempre algo compartido, ese "¿No les ha pasado a ustedes?", y no un "Fijate en ese tonto jajajaja". El humor que busca hacer de menos, a alguien necesita a quien apedrear verbalmente, sigue siendo humor aunque sea violento y abrasivo. ¡Y es muy fácil caer en ello!. Humillar a otro, supeditar la dignidad de otro para hacer gracia; despreciar a otros o sus circunstancias, eso sigue siendo humor... pero también una vileza. Reírte de un problema que tú tienes, o tratar de quitarle importancia porque lo superaste y tranquilizar así a otro requiere claro comprensión y empatía. Señalar con el dedo algo que te incomoda, pero que puede ser peor para otro no es lo mismo.

Y aquí viene una parte de reflexión que tuve con la cómica Raquel Sastre que señaló algo que ya he ido apuntando. Ella se quejaba con bastante razón de que al humor se le pedía una limpieza o evitar ciertos temas que a otros géneros no. ¿Violencia? El terror tiene manga ancha con el gore y la entraña, pero el humor (sobre todo el gráfico, más allá del monólogo o el chiste) tiene que tener pies de plomo. ¿Las violaciones? El drama (y los super héroes o la fantasía) está tan explotado que se ha convertido en un cliché, ¿por qué entonces al humor no se le permite esa libertad? Pues, no estoy seguro, pero tal vez es por las expectativas. El humor sirve a veces como mecanismo de defensa, para hacer cosas terribles menos malas, y parece que (como los vídeo juegos) lo normaliza o minimiza en alguna instancia. Y el luto, el dolor o la indignación no siempre se dejan aliviar por la catarsis que es el humor, a veces con más razones que otros. De nuevo, dependerá del contexto.

Y luego está una parte más concreta que motiva la segunda parte del título de esta entrada. Los cómicos de este país parece que tienen diccionarios donde la C no está completa, que le falta la definición de censura en adelante, pero que va seguida de la de crítica. ¿Por qué lo digo? Lo digo porque hace unas semanas un ayuntamiento presentó una protesta por el machismo en los Simpsons. Y tienen razón, porque mujeres y hombres en los Simpsons tienen roles bastante pre-definidos; e incluso intentos de criticar la objetificación sexual hacia las mujeres acaban como paternalistas y beatos, no como ninguna clase de alegato feminista serio; aunque tengan personajes o momentos que la rediman igual medida. Pero la crítica es legítima, sea un ayuntamiento o una asociación. La Revista Mongolia, que es acusada de cometer crímenes de odio contra la religión, aunque lo único que busca es tocar los cojones al personal; se sintió profundamente ofendida por esto y acusó de censura lo que es una crítica. Porque evidentemente hacer una revista satírica significa que ellos tienen la razón, que la libertad de expresión es suya; que la crítica es censura y que si ellos hacen lo mismo que quienes les critican o a quienes denuncian (usar un dogma y tergiversar). O sea que no, criticar una obra cultura por los prejuicios que contiene no es equivalente a censurarla. Es exponer que padece dicho problema. ¿Simple verdad?.

Luego está la capacidad de varios cómicos con barba (Ignatius y Dani Mateo - que me gustan) para hacer un chiste misógino, y ofenderse porque se lo señalen como tal; y huir hacia adelante, que un cómico no se equivoca nunca (SPOILER: no). Como también decía Raquel Sastre, parece que al cómico se le pide una bondad que no le corresponde, y es verdad. Pero no es solamente eso. Parte del problema es usarlo de forma torticera. Como dije antes, si no es gracioso no es un chiste; será una sobrada. Es legítimo que en vez de gracia un cómico busque otra cosa, sobresaltar o conmocionar; pero dicha reacción tiene otras consecuencias también. Y dado que una red social es un camino de dos vías, que nadie paga por leer los twitts de otras personas; pues puede haber respuestas. Que estemos más concienciados del machismo en la sociedad (no como defecto personal de alguien concreto ojo), o del racismo; no es una tiranía o una censura.

Puedes disfrutar de algo siendo consciente de los problemas que tiene, porque te los señalen no te están insultando a ti. A mí me gustan: Cazafantasmas (aquí despotriqué a gusto), One Piece (que lo de sexualizar a las mujeres se le ha ido desde hace mucho tiempo), el Tokusatsu (ay dios, que los japoneses sean machistas es explicación, no excusa; y cuando hacen algo dentro del género que no lo es, se disfruta más en serio), etc, etc. Ahora nos comunicamos y nos expresamos más, para celebrar o compartir, pero también para protestar y criticar. Considerar que la crítica del mensaje de algo es censurarlo, me parece un error enorme. Las ideas no tienen sentimientos, sean estas creencias religiosas o un chiste idiota, criticarlas es legítimo; y también se parecen en que ambos pueden acarrear sufrimiento a otros, aunque a sus devotos no se lo parezca...

Y para cerrar, os dejo un par de vídeos que explican mejor que vuestro ciber vecino y amigo Mario todo esto.